En marge du festival de Cannes cette semaine, l’acteur et réalisateur français Mathieu Kassovitz a déclaré qu’« il n’y a plus de Français de souche » et qu’il espérait que le monde entier deviendrait métis.
1–2 minutes
Réalisateur du film de Vincent Cassel, La Haine , inspiré par la justice sociale et qui dépeint le racisme supposé auquel sont confrontés les immigrés aux mains de la police et des skinheads dans la banlieue parisienne, Mathieu Kassovitz semble se délecter de l’élimination des Français.
Intervenant dans l’émission C à vous en marge du festival de Cannes, Kassovitz a déclaré dans des propos rapportés par Le Figaro : « Nous devons être fiers d’être l’un des pays les plus intégrés au monde. C’est une de nos forces, et c’est ce qui fait notre nationalité française. »
« Maintenant, il n’y a plus de Français de souche, ils n’existent plus… J’espère qu’on va continuer à se mélanger non seulement en France mais aussi dans le reste du monde », a ajouté le réalisateur de 57 ans.
Ces commentaires ont été comparés à des déclarations antérieures faites par son père et collègue réalisateur Peter Kassovitz, un Hongrois qui a fui en France au milieu de la révolution de 1956.
L’aîné Kassovitz avait précédemment commenté le film de son fils, Hate : « L’histoire de mon fils parle d’un gars qui voulait être un grand noir alors qu’il est un petit juif blanc. »
Ces propos rappellent également ceux tenus par l’ancien candidat d’extrême gauche à la présidentielle Jean-Luc Mélenchon.
S’attaquant au concept même d’être ethniquement français, le dirigeant de gauche a déclaré l’année dernière : « Quand je suis né, un Français sur dix avait un grand-parent étranger, maintenant c’est un sur quatre.
« Par conséquent, ceux qui se disent Français de souche posent un sérieux problème à la cohésion de la société. »
En réponse aux propos de Kassovitz cette semaine, l’eurodéputée française et héritière de la dynastie politique Le Pen, Marion Marachél, a déclaré : « Je suis une femme française de naissance et je n’ai pas l’intention de disparaître. »
L’apparition du milliardaire dans «Maman, j’ai encore raté l’avion», sorti en 1992, est une «malédiction» pour le cinéaste.
2–3 minutes
Sept secondes. Sept petites secondes qui ont pu passer pour être cultes à une époque mais qui sont aujourd’hui une «malédiction» pour le réalisateur Chris Columbus. Dans la suite de «Maman, j’ai raté l’avion», sortie au cinéma en 1992, un certain Donald Trump fait une apparition. La courte scène se passe dans l’hôtel Plaza. Kevin, joué par Macaulay Culkin, est perdu dans la ville de New York et tombe par hasard sur le milliardaire, à qui il demande son chemin. Trump était alors propriétaire de l’établissement.
Ce caméo du futur président des États-Unis est «devenu une véritable malédiction. C’est devenu un boulet pour moi. J’aimerais tellement qu’il disparaisse», déclare Chris Columbus dans une interview au «San Francisco Chronicle».
«Je ne peux pas le couper, ajoute-t-il d’un ton sarcastique. Si je le coupe, je serai probablement expulsé du pays. On me considérera comme inapte à vivre aux États-Unis, alors je devrai retourner en Italie, ou quelque chose comme ça.»
Forcé la main
En 2020, Chris Columbus avait confié à Business Insider que Donald Trump lui avait plus ou moins forcé la main pour apparaître dans «Maman, j’ai encore raté l’avion». «Vous ne pourrez tourner dans le Plaza que si je suis dans le film», avait dit le milliardaire.
Une version qu’avait contestée Trump en 2023, écrivant sur son réseau Truth Social que le réalisateur l’avait «supplié» de faire un caméo. «J’étais très occupé et je ne voulais pas le faire. Ils ont été très gentils, mais surtout, persévérants. J’ai accepté, et la suite appartient à l’histoire! Cette petite apparition a fait un carton, et le film a été un énorme succès, et l’est toujours, surtout à Noël. On m’appelle à chaque diffusion. Pourtant, trente ans plus tard, Columbus (quel était son vrai nom?) a déclaré que je m’étais forcé à faire le film. Rien n’est plus faux. Cette apparition a contribué au succès du film… Encore un Hollywoodien du passé qui cherche un coup de pub de Trump pour lui-même!»
Cela fait des années que des fans des films «Maman, j’ai raté l’avion» demandent à ce que Donald Trump soit retiré du montage. En 2021, l’acteur Macaulay Culkin avait commenté d’un «bravo» une vidéo partagée sur Twitter, où le milliardaire était supprimé numériquement.
PARIS, 3 février (Reuters) – Un tribunal français a reconnu lundi le réalisateur français Christophe Ruggia coupable d’abus sexuels sur l’actrice Adèle Haenel alors qu’elle était mineure, dans l’une des premières affaires #MeToo à émerger dans le cinéma français.
2–3 minutes
Ruggia, qui avait nié les faits qui lui étaient reprochés, échappera à la prison. Le tribunal de Paris l’a condamné à quatre ans de prison, dont deux ans avec sursis et deux ans avec bracelet électronique.
L’avocate de Ruggia, Fanny Colin, a déclaré aux journalistes que son client maintenait son innocence et ferait appel de la décision.
Haenel, 35 ans, actrice primée dans des films tels que « Portrait de la jeune fille en feu », avait accusé Ruggia de l’avoir touchée de manière inappropriée à plusieurs reprises après leur rencontre sur le tournage du film « Les Diables » en 2001, alors qu’elle avait 12 ans et lui 36.
Elle l’a accusé publiquement pour la première fois en 2019 d’exercer un contrôle indu sur elle, de l’isoler de sa famille et des membres de l’équipe, tout en la forçant, ainsi que son co-star Vincent Rottiers, à filmer des scènes épuisantes avec lesquelles ils n’étaient pas à l’aise.
Plusieurs stars du cinéma français étaient présentes au tribunal pour entendre le verdict, dont Judith Godrèche, l’une des figures de proue du mouvement #MeToo, et la réalisatrice Céline Sciamma, ex-compagne de Haenel et réalisatrice de « Portrait de la jeune fille en feu ». Godrèche a serré Haenel dans ses bras après le verdict, Haenel est l’une des figures de proue du mouvement #MeToo en France, où le mouvement a reçu une réaction beaucoup plus tiède qu’aux Etats-Unis. Haenel a récemment quitté l’industrie du cinéma, invoquant un sentiment de complaisance à l’égard des prédateurs sexuels présumés qui travaillent toujours dans le milieu.
Haenel avait accusé Ruggia d’avoir abusé d’elle de 12 à 15 ans, pendant et après le tournage de « Les Diables », qui raconte l’histoire de deux frères et sœurs abandonnés à la recherche de leur foyer.
Elle a déclaré aux enquêteurs qu’elle se rendait souvent chez Ruggia, où il la touchait entre les jambes et lui caressait la poitrine. Elle a déclaré que ses actes avaient eu un impact sur son travail scolaire et avaient provoqué des pensées suicidaires.
Ruggia n’est pas le premier homme du cinéma français à être accusé de son comportement sur un plateau.
Gérard Depardieu, l’un des acteurs les plus célèbres de France, doit être jugé en mars, accusé d’avoir agressé sexuellement deux femmes sur le tournage d’un film en 2021. Il nie les accusations.
Le cinéaste français a signé d’inoubliables longs-métrages, tels «Les valseuses», «Tenue de soirée» et «Buffet froid».
1–2 minutes
Le cinéaste Bertrand Blier, réalisateur de «Tenue de soirée», «Les Valseuses» ou «Buffet froid», est mort lundi soir à l’âge de 85 ans, a annoncé mardi sa famille à l’AFP.
Le réalisateur est décédé «paisiblement chez lui, à Paris, entouré de sa femme et de ses enfants», a déclaré son fils Léonard Blier à l’AFP.
Les films de ce dialoguiste hors pair, adepte d’un humour noir et cru, ont marqué le cinéma des années 1970 et 1980.
Son nom restera associé à celui de Gérard Depardieu, dont il a fait décoller la carrière en 1974 dans «Les Valseuses», aux côtés de Patrick Dewaere et Miou-Miou.
Film subversif devenu culte, «Les Valseuses» est également marqué par un humour graveleux qui choque à l’époque. L’oeuvre de Blier essuie aujourd’hui des critiques pour sa misogynie ou la façon dont il met en scène la domination masculine.
«J’apprends avec beaucoup de tristesse la disparition de Bertrand Blier. Il était un dialoguiste de génie, dans la lignée des Prévert et des Audiard», a réagi la ministre de la Culture, Rachida Dati.
«Dans des films qui s’inscrivaient dans leur époque, il avait offert des rôles iconiques aux plus grands: Jean-Pierre Marielle, Gérard Depardieu, Miou-Miou, Michel Blanc, Isabelle Huppert, Patrick Dewaere, Josiane Balasko, sans oublier son propre père Bernard Blier. Bertrand Blier était un cinéaste immense et anticonformiste, un amoureux fou de la liberté de créer», a-t-elle ajouté.
Il avait remporté en 1979 l’Oscar du meilleur film étranger pour «Préparez vos mouchoirs» et, l’année suivante, le César du meilleur scénariste pour «Buffet froid».
Il remportera ensuite le Grand Prix du Jury à Cannes et trois César avec «Trop belle pour toi» (1989), sans compter le César de la meilleure actrice pour Carole Bouquet.
Les années 1990 et 2000 seront moins fastes, à l’exception du «Bruit des glaçons», où un écrivain alcoolique (Jean Dujardin) «dialogue» avec sa maladie qui prend la forme d’un homme, joué par Albert Dupontel.
Le réalisateur et scénariste David Lynch , qui a radicalisé le cinéma américain avec une vision artistique sombre et surréaliste dans des films comme « Blue Velvet » et « Mulholland Drive » et la télévision avec « Twin Peaks », est décédé. Il avait 78 ans.
6–8 minutes
En 2024, Lynch a révélé qu’on lui avait diagnostiqué un emphysème après avoir passé toute sa vie à fumer et qu’il ne pourrait probablement plus quitter sa maison pour réaliser des films. Sa famille a annoncé sa mort dans un message sur Facebook , écrivant : « Il y a un grand vide dans le monde maintenant qu’il n’est plus avec nous. Mais, comme il le disait, « gardez un œil sur le donut et non sur le trou ». »
La série télévisée « Twin Peaks » et des films comme « Blue Velvet », « Lost Highway » et « Mulholland Drive » ont mêlé des éléments d’horreur, de film noir, de polar et de surréalisme européen classique. Lynch a tissé des histoires qui n’étaient pas sans rappeler celles de son prédécesseur espagnol Luis Bunuel, et qui suivaient leur propre logique impénétrable.
Nommé quatre fois aux Oscars, Lynch a reçu un Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière en 2020.
Après des années passées à peindre et à réaliser des courts métrages d’animation et des films d’action, Lynch a fait irruption sur la scène avec son premier long métrage « Eraserhead » en 1977, une œuvre horrifique à l’humour noir qui est devenue un incontournable du circuit des films de minuit. Son style outrancier et sans compromis a rapidement attiré l’attention de l’establishment cinématographique hollywoodien et international.
Il a été engagé par la société de production de Mel Brooks pour écrire et réaliser « The Elephant Man », un drame profondément émouvant sur un monstre de foire horriblement déformé de l’Angleterre victorienne qui est devenu une célébrité nationale. Le long métrage a remporté huit nominations aux Oscars, dont la première pour Lynch dans la catégorie meilleur réalisateur.
Il a rencontré moins de succès avec son adaptation de 1984 du roman de science-fiction tentaculaire de Frank Herbert, « Dune ». La production, réalisée avec un budget de 40 millions de dollars au cours d’un tournage ardu de trois ans, a été un échec colossal au box-office.
Cependant, Lynch s’est remis du désastre avec deux films qui ont défini son style de maturité : « Blue Velvet » (1986), une course effroyable à travers les bas-fonds psychosexuels d’une petite ville américaine, et le road movie violent et sexy « Wild at Heart » (1990), qui a été honoré par la Palme d’or du Festival de Cannes.
En 1990, il révolutionne la télévision américaine avec Twin Peaks, une série qu’il a créée avec le scénariste Mark Frost. Avec une action qui découle de l’enquête sur le meurtre mystérieux d’une lycéenne dans une ville forestière de Washington, l’émission hebdomadaire d’ABC aborde des sujets inquiétants, jusqu’alors tabous, et fait de l’inexplicable un élément incontournable de la télévision narrative moderne.
Grand succès dès sa première saison, Twin Peaks a perdu son élan et son public au cours de la deuxième année. Elle a néanmoins donné naissance à un long métrage préquel, le très édifiant Twin Peaks: Fire Walk With Me sorti en 1992. Vingt-cinq ans plus tard, l’affection constante d’un culte fidèle de téléspectateurs a donné lieu à une troisième saison à durée limitée pour Showtime, qui a repris là où la deuxième saison s’était arrêtée.
Plus tard dans sa carrière, dans des films comme « Lost Highway » (1997), « Mulholland Drive » (qui lui a valu le prix du meilleur réalisateur à Cannes en 2001) et « Inland Empire » (2006), Lynch a fait preuve d’un style surchauffé qui s’articulait autour d’intrigues mettant en avant des personnalités dédoublées, des transformations inexpliquées et des actes de violence choquants. Le film calme mais décalé « The Straight Story » (1999) rappelle l’attrait émotionnel plus réservé d’« Elephant Man ».
Le réalisateur lui-même a toujours eu du mal à expliquer aux spectateurs ce que son travail signifiait. Dans le recueil d’entretiens « Lynch On Lynch » (2005), il aborde le cœur énigmatique de son travail avec l’écrivain Chris Rodley.
« Eh bien, dit Lynch, imaginez que vous trouviez un livre d’énigmes et que vous puissiez commencer à les résoudre, mais qu’elles soient vraiment compliquées. Les mystères deviendraient évidents et vous enthousiasmeraient. Nous trouvons tous ce livre d’énigmes et c’est tout ce qui se passe. Et vous pouvez les résoudre. Le problème, c’est que vous les découvrez en vous-même, et même si vous en parliez à quelqu’un, cette personne ne vous croirait pas ou ne comprendrait pas de la même manière que vous. »
En plus de son Oscar d’honneur, la carrière unique de Lynch a été reconnue par un prix spécial (partagé avec sa star habituelle Laura Dern) aux Independent Spirit Awards 2007 et un Lion d’or au Festival du film de Venise 2006.
Il est né le 20 janvier 1946 à Missoula, dans le Montana. Son père était chercheur scientifique au ministère de l’Agriculture et sa famille itinérante a vécu dans les États des plaines, dans le nord-ouest du Pacifique et dans le sud-est avant de s’installer à Alexandria, en Virginie, où Lynch a fait ses études secondaires.
Élève peu indifférent, Lynch se consacre à la peinture. Après un séjour d’un an à l’École du Musée des Beaux-Arts de Boston et un voyage avorté en Europe avec son ami Jack Fisk (qui deviendra plus tard un célèbre décorateur hollywoodien), il s’inscrit à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie en 1965.
Vivant dans un quartier hostile de Philadelphie avec sa première femme et sa fille en bas âge, Jennifer (qui deviendra plus tard réalisatrice elle-même), Lynch a commencé à s’intéresser au cinéma, en réalisant les courts métrages d’animation « Six Men Getting Sick (Six Times) » et « The Alphabet » (1968).
« The Grandmother » (1970), un mélange d’animation et de prises de vues réelles, a été tourné grâce à l’argent obtenu grâce à une subvention du tout nouveau American Film Institute. En 1971, Lynch s’est installé à Los Angeles pour étudier la réalisation cinématographique au Conservatoire d’études cinématographiques avancées de l’AFI, dont le siège se trouvait dans l’ancien manoir Doheny à Beverly Hills.
En 1972, Lynch commence à travailler sur un long métrage à l’AFI. Inspiré par ses années sombres de graveur et d’artiste en difficulté à Philadelphie, un premier scénario de 21 pages commence à prendre forme ; Lynch dira plus tard qu’il n’a aucun souvenir de l’avoir écrit. Au cours des cinq années suivantes, il réalise le film avec plusieurs collaborateurs qui resteront des constantes dans sa carrière, notamment le concepteur sonore Alan Splet, le directeur de la photographie Frederick Elmes et l’acteur Jack Nance.
Tourné laborieusement, à moindre coût et à la va-vite pendant cinq ans, « Eraserhead » est sorti par le distributeur indépendant Libra Films International en 1977. Le film inquiétant en noir et blanc suivait la descente psychologique de son héros maladroit Henry Spencer (Nance) après la naissance de son bébé monstrueusement malformé.
Les critiques furent très alarmées par le film lors de sa première au Filmex de Los Angeles en 1977, mais il prit une essor commercial propre lorsque Libra le présenta lors des projections de minuit à New York, San Francisco et Los Angeles. Lynch apparaissait fréquemment lors des projections à Los Angeles, avertissant son public déconcerté : « Ne posez pas de questions sur le bébé. »
Stuart Cornfeld, producteur chez Brooksfilms, le directeur de la société Mel Brooks, était l’un des spectateurs enthousiastes d’une représentation de minuit au Nuart Theatre de Los Angeles. Il a encouragé Brooks à embaucher Lynch et, après avoir vu Eraserhead, Brooks a proposé un emploi au réalisateur.
Pour son projet, Lynch s’est inspiré de l’histoire de John Merrick, dont la vie sensationnelle avait déjà inspiré la pièce à succès de Bernard Pomerance en 1977. La version cinématographique de « The Elephant Man » était une entreprise entièrement nouvelle, coécrite par Lynch et mettant en vedette un John Hurt fortement maquillé dans le rôle du sensible Merrick, Anthony Hopkins dans le rôle du chirurgien de l’hôpital de Londres qui est devenu son tuteur, et la femme de Brooks, Anne Bancroft, dans le rôle d’une sympathique star de la scène du West End.
Voir la suite de l’article original cliquez ci-dessous :
THE BLACK SUN 
Laisser un commentaire